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L’onirisme organique de Toufan Hosseiny

23 Avr
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ME, MYSELF & EYE, 2017 PLASTIQUE, POLYSTYRÈNE, PORCELAINE ET CUIR. Courtesy Toufan Hosseiny

 

C’est une atmosphère féminine, florale, raffinée et design que l’on découvre à la Galerie Rodolphe Janssen dans la salle consacrée aux œuvres de l’artiste belge d’origine iranienne Toufan Hosseiny. Dessins, broderies, porcelaines, masques, bijoux et papiers peints se côtoient en parfaite symbiose. Une atmosphère presque virginale d’une jeune fille en fleur dirait-on. C’est en s’approchant que l’on se rend compte progressivement de notre terrible erreur d’appréciation, trahit par l’élégance et la délicatesse des travaux présentés. Car l’univers de cette toute jeune artiste multidisciplinaire est avant tout marqué par la présence et l’association troublantes d’éléments inattendus.

 

 

 

“Never alone“ le titre de l’exposition n’est pas incongru, il est le savant résultat d’un mariage entre l’obsession et la paranoïa. « Je n’aime pas que l’on me remarque mais j’observe sans cesse les gens du coup j’ai la sensation d’être en retour constamment observée et jugée ». Ce sentiment désagréable Toufan Hosseiny l’exprime avec humour dans “Me, Myself and I“ une drôle de créature merveilleusement absurde avec un crâne composé d’une centaine de yeux en porcelaine duquel tombe un long rideau de cheveu en cuir. « Petite je pensais que les objets qui m’entouraient étaient mes amis. Mais au fur et à mesure c’est devenu très angoissant car je pensais qu’ils me regardaient en permanence ».

 

 

 

Œil pour œil…

Ces yeux sont devenus un véritable leitmotiv dans les travaux de Toufan Hosseiny. Des yeux qu’elle avouera « avoir roulé toute la journée pendant plusieurs mois », une répétition du geste qui l’aide à se calmer avouera-t-elle. A la base crées en frigolite pour son projet de fin d’études, elle crée spécialement pour l’exposition ces yeux en porcelaine d’abord pour ses monstres mais aussi pour sa collection de bijoux sous forme de bagues et de boucles d’oreilles excentriques. Impossible de ne pas faire le rapprochement avec la superstition du « mauvais œil » (“sheshm“) présente de façon persistante, caustique et angoissante dans toutes les familles iraniennes. “The monsters I grew up with“ est une série composée d’une galerie de neuf montres sous forme de masques. « J’ai toujours aimé les monstres et je m’amusais petite à dessiner de drôle de créatures » avant de préciser amusée qu’elle regardait « pas mal de films fantastiques voire d’horreur avec {son} père alors qu’{elle} n’en avais pas l’âge ! ». Ses angoisses Toufan Hosseiny les exprime dans ces monstres à qui elle a attribué un nom, une date de naissance et de décès. « Ils peuvent aussi bien représentés des personnes que des émotions ». Ces masques n’ont pourtant rien d’effrayants, ils sont au contraire très attirants. « J’aime transformer ce qui est laid en beau. C’est ma façon de faire la paix, de tourner la page ».

 

 

 

 

dent pour dent

Dans une série de dessins de fleurs aux traits extrêmement délicats et raffinés, la jeune femme aborde le thème de la mort. On y voit des fleurs composées d’os et de dents de sagesse, symbole d’une résurrection bienveillante. En véritable touche-à-tout, l’artiste transformera plus tard ces fleurs en broderies. « C’est vrai qu’avec ma formation de stylisme j’ai toujours ce rapport très fort au textile. C’est un moyen avec lequel je communique bien. ». A côté de ces médaillons un drapeau en lin et cuir, cette fois à la forme non-figurative interpelle. « J’ai crée un symbole beaucoup plus abstrait cette fois toujours en rapport avec l’anatomie des fleurs, des racines et des vertèbres. » Le résultat ? « Une forme ressemblant à l’os du bassin mais aussi du vagin avec ces tiges qui se croisent formant cet œil. C’est la naissance de tout ce monde qui nous regarde ». Cette œuvre intitulée « Birth » provoque un fort pouvoir d’attractivité tant il semble être la synthèse non seulement de son travail mais aussi d’une forme de « statement » , comme si finalement nous étions les témoins chanceux et heureux de l’éclosion de Toufan Hosseiny dans le monde de l’art. Une artiste très prometteuse qu’il faudra suivre de très près.

 

 

 

 

« Never alone“, Toufan Hosseiny, Galerie Rodolphe Janssen, 10-28 octobre 2017

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L’art contemporain iranien : Avant, pendant, après la Révolution

17 Août
Mitra Farahani soldat

3 Mitra Farahani (née en 1975) Begir bebar dast az saram bardâr [Prends ma tête mais arrête de me prendre la tête], 2014 Dessins au fusain sur toile, caisson en metal, Collection de l’artiste, Paris D’après une photographie de Alfred Yaghoubzadeh

En Iran, art, société et politique sont intimement liés. Le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris présente actuellement cinquante ans d’art contemporain iranien (1960-2014) au travers d’une vingtaine d’artistes et de deux cent travaux. M…Belgique y était et vous raconte.

 L’exposition débute avec les abstractions linéaires de Behjat Sadr et les peintures inspirées de la mythologie grecque de l’immense Bahman Mohassess. Une période capitale s’étalant de 1960 à 1978, Qualifiée d’époque moderne, elle se caractérise par la volonté de se détacher du répertoire visuel traditionnel iranien (calligraphie, miniature, etc.) au profit d’un nouveau vocabulaire formel.

11 Bahman Mohassess (1931-2010)  Portrait de la mère, 1974  Huile sur toile  © Musée d’art contemporain de Téhéran

11 Bahman Mohassess (1931-2010),Portrait de la mère, 1974,Huile sur toile, © Musée d’art contemporain de Téhéran

 

 

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Behjat Sadr, Unedited History. Iran 1960-2014, au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 2014,Photographe : Benoît Fougeirol

Ces deux décennies attestant également de l’engouement pour les arts vivants – soutenus par le Shah et l’impératrice – tel que l’étonnant Festival des arts de Shiraz. Reconstitué ici par un corpus documentaire inédit (archives, vidéos, photos etc.), on s’imprègne de l’atmosphère cosmopolite et surréaliste de ce festival réunissant avant-gardes occidentales et artistes du « tiers-monde ». Onze éditions auront lieu avant l’arrêt de cet événement considéré « décadent » et condamné par le régime islamique en 1979. Puis l’on est interpellé par le travail du grand photographe Kaveh Golestan qui capture sur pellicule les prostituées de Téhéran et nous offre ainsi des photographies noirs et blancs vibrantes. Réalisées dans « La Citadelle », (leur lieu de travail) ce quartier sera détruit par un incendie criminel en 1979, deux jours avant la prise de pouvoir de l’ayatollah Khomeyni…

5 Kaveh Golestan (1950-2003), Série des Prostituées (Shahr-e No), 1975-1977 , Photographie, Epreuve Gelatino-Argentique Tirage d’époque, Collection Kaveh Golestan Estate, Londres

Une modernité avortée

1979, c’est cette année là que l’Iran atteint son climax avec la chute du Shah et la mise en place de la République islamique engendrant un bouleversement sans précédent dans la société iranienne : droits de la femme radicalement transformés, fermeture des lieux culturels, création de la police des « mœurs » etc. Le « modernisme » s’essouffle face aux transformations idéologiques. « Memories of destruction », trois heures de rush non montés du documentariste Kamran Shirdel, nous embarque dans la désolation, la violence mais aussi dans l’effervescence révolutionnaire. En 1980 Saddam Hussein attaque le pays. Le bilan? Une guerre « d’usure » de neuf ans totalisant au moins un million de morts. C’est grâce au courage de documentaristes et photographes guidés par leur conscience tels que Morteza Avini et de Bahman Jalali, que l’on peut découvrir des témoignages émouvants et des images inédites de ces jeunes soldats partis au front.

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Unedited History. Iran 1960-2014, au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 2014 Photographe : Benoît Fougeirol

Depuis les années nonante, une nouvelle génération d’artistes voient le jour et dont les œuvres supportent le poids de l’histoire. Les dessins surprenants de réalisme de Mitra Farahani représentent ainsi le thème de la décapitation dans des portraits géants de soldats. Arash Hanaei réalise lui avec ironie des dessins numériques, où messages publicitaires de marques occidentales se confondent avec les slogans autrefois dédiés aux martyrs. La jeune et courageuse photographe Tahmineh Monzavi dénonce quant à elle dans une série couleur crue et bouleversante les conditions de vie des femmes toxicomanes. Elle sera arrêtée en 2012 par la police et détenue en prison pendant plusieurs mois.

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Mitra Farahani  Unedited History. Iran 1960-2014, au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 2014, Photographe : Benoît Fougeirol

 

 

07. Arash Hanaei.Capital

7 Arash Hanaei (né en 1978), Série Capital, 2009, Impression sur papier couché, Collection de l’artiste

Une exposition passionnante et intelligente qui atteste de la richesse et du renouvellement artistique d’un pays constamment mis au défi.

« Iran Unedited History 1960-2014 », Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 11 avenue du Président Wilson, 75116 Paris. Jusqu’au 24 août.

Article publié dans »M-Belgique Hebdo » du 8 au 21 août 2014

Quand l’art contemporain raconte l’Iran

28 Juil
18. Affiche IRAN

Copyright Aria Kasaei (StudioKargah)

Le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris présente cinquante ans d’art contemporain iranien à travers le travail d’une vingtaine d’artistes et leurs quelques deux cents œuvres (tous médiums confondus), sur une période s’étalant de 1960 à nos jours.

C’est sous la direction de Catherine David appuyée par une équipe de trois autres curateurs, que l’exposition aborde l’histoire visuelle de l’Iran en trois « séquences » : la modernité des années soixante à septante-huit d’abord, la période Révolutionnaire ensuite, suivie de la longue guerre contre l’Irak pour enfin s’interroger sur les enjeux contemporains.

« Iran Unedited History » a été conçu « comme un film « non monté », une histoire à l’état de rush » explique le jeune et brillant historien Morad Montazami. L’exposition s’ouvre sur le choix singulier de deux immenses peintres, malheureusement trop souvent absents des événements consacrés à l’Iran. Ainsi, les peintures figuratives de Bahman Mohassess, le « Picasso iranien », représentent des personnages violentés et déstructurés aux allures de minotaures. Attiré par la mythologie grecque, Mohassess aimait échapper aux références traditionnelles (calligraphie, miniatures etc.) et critiquer la condition humaine de l’homme moderne post Seconde Guerre mondiale.

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Bahman Mohassess. Iran Unedited History 1960-2014 au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 2014, Photographe Benoît Fougeirol

La regrettée Behjat Sadr – considérée comme l’une des peintres majeures de son époque- a quant à elle créé en 1967 la première œuvre de « Op Art ». L’artiste, attirée par l’abstraction linéaire, se détachait elle aussi du répertoire visuel traditionnel par l’usage de techniques et de motifs extrêmement novateurs appuyés par un réseau de formes singulières et débridées.

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Behjat Sadr. Iran Unedited History 1960-2014 au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 2014, Photographe Benoît Fougeirol

Reconstitution des vestiges du passé et témoignages documentaires

Les années soixante et septante furent deux décennie capitales pour les arts vivants, à l’époque activement soutenus par le Shah et l’impératrice, comme en témoigne l’étonnant Festival de Shiraz, incarnation du bouillonnement culturel d’une époque moderne.

 

17. Affiche du 4ème festival Shiraz Persepolis

Réunissant les avant-gardes occidentales et les artistes du « tiers-monde », le Festival était une véritable plateforme artistique mêlant tour à tour danses africaines, performances balinaises, théâtre traditionnel iranien, spectacles de Maurice Béjart et musique blues américaine. C’est grâce à un corpus documentaire inédit (vidéos, photos, archives etc.) réunit par les soins de Vali Mahlouji, que l’on peut se plonger dans l’ambiance surréaliste de cet espace d’échanges, de partages et de rencontres entre les différentes civilisations.

Puis nous passons à 1979, l’année de la Révolution qui fit basculer l’Iran d’une monarchie occidentalisée à une République islamique ultra conservatrice.

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Iran Unedited History 1960-2014 au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 2014, Photographe Benoît Fougeirol

Face aux mutations idéologiques, le « modernisme » s’essouffle. « Memories of destruction », trois heures de rush non montés et inédits du documentariste Kamran Shirdel attestent de la violence, du désespoir mais aussi de l’effervescence révolutionnaire. Un an plus tard, en 1980, l’Irak de Saddam Hussein attaque l’Iran de Khomeyni. Une guerre d’usure de neuf longues années et qui totalisera au moins un million de victimes. « C’est une guerre dont on a beaucoup entendu parler mais vu peu d’images finalement » explique Catherine David. C’est grâce au courage de documentaristes et photographes tels que Morteza Avini et de Bahman Jalali que l’on peut découvrir les témoignages émouvants de ces jeunes soldats partis au front. « Il s’agissait de journalistes indépendants guidés par leur conscience et non par une quelconque commande » insiste la curatrice. Nombreux parmi eux y ont laissé leur vie.

Génération d’après-guerre

 La dernière séquence se concentre sur la génération d’après-guerre, celle des années nonante à aujourd’hui. Une salle à l’abri des regards est dédiée à la géniale et regrettée Chohreh Feyzdjou qui avait à la mort de son père en 1988, recouvert toutes ses créations (peintures, dessins, objets) de brou de noix. Entièrement camouflées dans un noir intense et douloureux, ses œuvres se composaient initialement d’animaux et créatures hybrides colorés et joyeux. Décédée à 41 ans, elle laissera derrière elle des œuvres puissantes, frappées des stigmates d’une vie intérieure tourmentée.

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Chohreh Feyzdjou. Iran Unedited History 1960-2014 au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 2014, Photographe Benoît Fougeirol

Narmine Sadeg nous offre elle une magnifique et intrigante installation circulaire sur laquelle reposent trente oiseaux empaillés, à la fois majestueux et effrayants. Inspirée par le conte persan la « Conférence des Oiseaux » traitant de la quête d’un idéal, l’artiste nous plonge dans un univers infiniment poétique.

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Narmine Sadeg. Iran Unedited History 1960-2014 au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 2014, Photographe Benoît Fougeirol

Arash Hanaei aime quant à lui dépeindre avec humour et ironie les paradoxes de la société iranienne. Dans ses dessins numériques, réalisés à partir de photos prises des rues de Téhéran, messages publicitaires de marques occidentales semblent se confondre avec les slogans autrefois dédiés aux martyrs (« Moulinex pour l’éternité »).

arash moulinex.

Arash Hanaei Série  » Capital »

Enfin, la cinéaste Mitra Farahani présente elle dans une série de grands formats, des dessins au fusain au réalisme bouleversant abordant le thème la décapitation de soldats ou de figures bien connues des iraniens.

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Mitra Farahani Iran Unedited History 1960-2014 au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 2014, Photographe Benoît Fougeirol

Une exposition qui révèle avec sensibilité et intelligence de la créativité d’artistes issus d’un pays aux mille ressources.

‘Iran Unedited History 1960-2014’, jusqu’au 24 août au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 11 avenue du Président Wilson, Paris. Ouvert ma-di de 11h à 18h.

http://www.mam.paris.fr

( Publié dans H art magazine du 24 juillet 2014)

« Dix femmes peintres d’Iran, Dix ans après »

23 Mar

Du 4 au 14 Mars, l’Hôtel de Ville de Saint-Gilles mettait à l’honneur les oeuvres de dix peintres iraniennes ayant déjà fait l’objet d’une exposition en 2001. La commissaire d’exposition, Fery Malek-Madani, spécialiste de l’Iran, féministe et fondatrice de l’ASBL Art Cantara, décide de re-exposer cette année les dix mêmes artistes afin de mesurer le chemin parcouru.

En organisant cette exposition 100% féminine, Fery Malek-Madani désirait tout d’abord  montrer la diversité de peintres, toutes iraniennes, mais de générations et de styles différents. Il s’agissait aussi de ne plus associer l’Iran uniquement à son actualité politique, mais bel et bien de reconnaître la présence d’artistes féminines dans le paysage culturel iranien. Enfin, et elle insiste beaucoup sur ce dernier point, il était très important de percevoir ces artistes au-delà de l’étiquette « made in Iran ».

« Je voulais montrer que ces femmes iraniennes sont des femmes comme nous, qui expriment à travers leurs oeuvres un langage universel »

L’exposition réunie une cinquantaine d’oeuvres, ainsi que deux vidéos enregistrées en 2001 et 2011 montrant la commissaire d’exposition s’entretenir avec les artistes. Bonne idée aussi que d’avoir ressorti le catalogue d’exposition de la première édition, nous permettant ainsi de comparer les oeuvres et l’évolution artistique de ces peintres.

L’emploi des différentes techniques, la richesse de la palette de couleurs, ainsi que la présence d’oeuvres aussi bien figuratives qu’abstraites, attestent bien de la diversité stylistique et des univers artistiques propres à chacune des peintres. Les thèmes choisis révèlent par contre le goût commun de ces artistes pour la représentation de la femme, thème déjà privilégié lors de la première exposition.

« Pourquoi les peintres iraniennes représentent-elles toujours des femmes? » demande Fery Malek- Madani aux artistes lors de ses interviews. Trois raisons principales semblent se distinguer. Arya Shokoohi Eghbal (1962) évoque une préférence esthétique pour le visage féminin. La célèbre miniaturiste Farah Ossouli (1953) explique quant à elle, le besoin pour l’artiste iranienne d’exprimer son idée de la femme, trop longtemps perçue qu’à travers le travail des hommes. Enfin, Maryam Khazai, met en avant la nécessité de peindre la femme, longtemps ignorée, afin de lui redonner sa liberté.

Se peindre pour exister à nouveau?

Le Moi au pluriel

Dans les oeuvres présentes, le désir d’être et d’affirmer son statut de femme semble trouver écho dans le thème récurrent du Moi. Dans Me, Myself, and I, A. Shokooho Eghbal s’interroge sur son rôle de femme. Qui est-elle? Une épouse? Une mère? Une peintre? Sa technique singulière de fragmentation du tableau en plusieurs blocs renforce l’idée de confusion identitaire.

Dans son oeuvre intitulée Moi, M. Mozaffari (1959) se représente dans l’étroitesse d’un couloir sombre, à l’écart des hommes. Regardant fixement le spectateur, le peintre semble s’interroger sur sa place dans la société.

Appartenant à la génération qui n’a connu que la République Islamique, la jeune M. Hashemi (1977) s’est d’abord systématiquement représentée le visage caché par de drôles de masques,  » peut-être pour tout couvrir, même nos pensées » dira-t-elle. Dix ans plus tard, installée à Londres, elle affirme avoir calmé son agitation intérieure et continue de se peindre mais désormais, à visage découvert. Dans Dénudée, un tableau spécialement imaginé pour l’exposition, l’artiste confronte ses deux « Moi ». Celle du passé, le visage masqué, s’oppose à celle du présent, nue et libérée de ses démons.

A travers leurs peintures, ces artistes se cherchent, s’interrogent et luttent entre leurs plusieurs « Moi ». Si cette préoccupation de la femme moderne, déchirée entre ses différents rôles, peut être définitivement lue comme une préoccupation universelle, on ne peut s’empêcher de s’interroger. N’est-il pas légitime que ces artistes iraniennes expriment leur confusion dans un pays où le statut de la femme a été maintes fois chamboulé, et où par conséquent, la femme a du sans cesse apprendre  à se re-inventer? Après tout, faut-il rappeler que le code vestimentaire est passé de la jupe au tchador il y a seulement un peu plus de trente ans…

Si une très grande modernité se dégage de l’ensemble des oeuvres, on constate chez certains artistes l’envie d’exprimer leur attachement à l’Iran. Elle se traduit notamment à travers l’emploi de techniques traditionnelles (miniature et calligraphie), de la présence de références populaires et du choix des sujets.

L’apport de l’Iran

Farah Ossouli, initiatrice de la miniature contemporaine, fusionne dans ses oeuvres  la technique de la miniature persane aux thèmes classiques occidentaux, qu’elle réussià interpréter avec beaucoup d’originalité. Ainsi, elle n’hésite pas à trancher le cou de sa Mona Lisa dans une version miniaturisée ou de remplacer Dieu dans La Création de Michel-Ange, par une femme. Si l’artiste s’amuse à confronter ces deux mondes, la violence des dernières années l’a conduite à remplacer les joyeux rossignols et les belles roses par des bombes et des fusils.

Dans une quête de spiritualité, M. Shirinlou (1966) introduit dans ses oeuvres les vers du Poète Rumi*. A travers un style calligraphique, elle raconte les différentes périodes de la civilisation iranienne dans des techniques mixes média.

M. Hashemi incorpore dans ses oeuvres « réalistes magiques** » des références populaires identifiables à l’Iran. Dans Motherships, l’artiste représentée en toute petite à côté d’un pansement géant, appelle à l’aide des femmes voilées en forme de soucoupes volantes. Sur chaque Mothership le rappel de l’Iran est la: les building de Téhéran, les pistaches et le tchélo kabab (plat populaire iranien).  » Ces femmes viennent pour panser mes blessures, et sont ma façon de montrer mon affection à l’Iran » expliquera-t-elle, même si elle avouera ne pas encore avoir exactement compris la réelle signification de ces drôles de vaisseaux-tchador.

M.Gaziani (1972), elle, révèle son attachement à ses origines par le choix de sujets tirés de l’histoire des dynasties perses, tel que L’Aristo Quadjar.

Si ces oeuvres peuvent tout de suite être identifiables à l’Iran, d’autres au contraire se différencient par l’absence totale de référence au pays:

Les  portraits romantiques à l’encre de F. Amini (1941), offrent des visages de femmes aux traits occidentalisés.
M.Mozaffari capture dans des grands formats à l’acrylique, l’intimité des scènes de la vie quotidienne où « chaque objet a une particularité dans sa solitude« .

A travers ses propres tourments dominés par le rouge et le noir, A. Shokoohi Eghbal exprime les préoccupations universelles de la femme.
M. Rahim Tabrizi (1969) explore elle, une abstraction-bonheur où se baladent anges et papillons.

Dans la vidéo de 2001, les thèmes de liberté et d’ouverture reviennent constamment dans les propos des artistes. Le président Khatami, ex-conseiller de la culture et connu pour ses réformes visant à améliorer le statut des femmes, venait d’être ré-élu. C’est l’Iran des changements. Les galeries d’art, musées et la Maison des Artistes se voient bénéficier de ce nouveau vent de liberté. « Les portes [du pays] se sont ouvertes«  dira en souriant, la jeune calligraphe, G. Fathi (1972).
Ainsi, les femmes artistes dont le travail et le statut avaient été mis sous silence pendant deux décennies, semblaient sortir de l’ombre et jouir à nouveau d’une légitimité sur la scène artistique iranienne.
Lors des dix dernières années, ces artistes ont continué à avancer, à exposer aussi bien en Iran qu’à l’étranger, et à s’affirmer comme des artistes à part entière. Si la censure existe toujours pour certains sujets, comme la nudité par exemple, les peintres iraniennes ont trouvé des moyens d’expression différents pour continuer à exercer leur art. Bien que chacune ait évolué à sa manière, la confiance et le positivisme semblent avoir pris le pas lors de cette deuxième édition.

Retour au calme et Espoir

M.Shirinlou remplace ses tableaux figuratifs qui lui permettaient d’exprimer ses agitations interieures par des oeuvres abstraites et calligraphiques empreintes cette fois, de calme et de forte dimension spirituelle.


M. Rahim Tabrizi se laisse porter vers des toiles de plus grand format dans lesquelles règnent une atmosphère plus colorée et où les titres, tel que Les papillons retourneront-ils à la maison?, sonnent comme de véritables messages d’espoir.

M. Khazai, qui privilégiait le noir parce que  » notre société est monochrome« , s’est aujourd’hui tournée vers des toiles baignées de lumière, de liberté et de couleurs vives, dans  » le but de diminuer la douleur et de [se] rapprocher de la couleur de l’amour ».

En quittant  cette exposition, les évènements politiques de l’Iran semblent avoir été balayés par un vent de liberté et d’espoir, sorti tout droit de cet art iranien conjugué au féminin. Proposer un autre regard sur ses femmes peintres iraniennes? C’est le pari gagné de cette exposition mise en scène avec intelligence et sensibilité.

 » Dix femme peintres d’Iran, Dix ans après » organisé par Art Cantara asbl et à l’initiative de Anne Vanesse, Echevine de l’Egalite des Chances Hommes/Femme, Commune de Saint-Gilles.

*Rumi: Poète soufi considéré comme l’un des plus grands mystiques persans du XIIIe siècle.
** Réalisme magique: appellation utilisée par la critique littéraire et la critique d’art depuis 1925 pour rendre compte de productions ou d’éléments perçus et décrétés comme « magique » et « surnaturels » surgissant dans un environnement défini comme « réaliste ».

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Quand Bruxelles se met au diapason de la musique persane

4 Mar

Bruxelles est décidément une ville étonnante. Fraîchement débarquée dans la capitale belge, c’est par hasard que je découvris dans le programme culturel du quotidien Le Soir (le Mad), un concert dédié à la musique persane. Si le titre « Iran, Les Maîtres de l’Improvisation » ne m’évoquait rien de familier, il titilla fortement ma curiosité. C’est quelques petites recherches plus tard que je compris qu’il s’agissait de musique traditionnelle iranienne, composée de deux maîtres en la matière: Kayhan Kalhor  & Madjid Khaladj.

Il fallait donc ne pas rater cet évènement inédit. Inédit car on peut s’interroger sur l’étendue de notre connaissance à ce sujet: que savons nous vraiment de la musique iranienne? Quels sont ses rythmes, ses sons, ses instruments?  A l’exception de quelques connaisseurs, force est de constater que les réponses sont rares et  l’ignorance face à cet art bien réelle.

C’est donc impatiente et la tête remplie de questions que je me rendis le Vendredi 28 Janvier à L’espace Senghor où je découvris avec étonnement une salle pleine à craquer. Le public, joyeusement composé de belges, de français, d’américains mais surtout des membres de la communauté iranienne attendaient dans une ambiance bon enfant le début des festivités. Un peu plus tard, la salle plongea dans l’obscurité obligeant les brouhahas à se dissiper et les retardataires à se faufiler hâtivement entre les places.

C’est sur une scène illuminée de trois faisceaux de lumière bleutée et décorée de trois somptueux tapis persans, que Kayhan Kalhor, maître incontesté du Kamanchech (luth a archet) et Madjid Khaladj, percussionniste émérite, firent leur entrée sous un tonnerre d’applaudissement.

Le concert débuta par la délicatesse des cordes mélancoliques du Kamancheh joué par Kayhan Kalhor. Assis près de lui, le percussionniste, Madjid Khaladj, se laissait bercer au gré des notes de son compatriote.

Quelques minutes plus tard, le solo se transforma en duo avec les premières notes graves et sourdes du Tombak (sorte de djembe). L’improvisation des maîtres pouvait alors commencer.

La première partie fit clairement honneur à la douce mélodie orientale du Kamancheh, reléguant dans un premier temps  le Tombak à un rôle d’accompagnateur. C’est assis sur ses genoux que Kayhan Kalhor nous fit alors découvrir la beauté de ses notes venues d’ailleurs. Ne formant plus qu’un avec son instrument, le musicien nous offrit un moment de pure méditation. De son côté, Madjid Khaladj suivait paisiblement son camarade au rythme des battements sourds et solennels du tambour. Ensemble, ils nous invitèrent à écouter un récit, celui d’un Iran nostalgique, puisant ses origines à travers les vibrations déchirantes du violon et des résonances dramatiques du Tombak.

La deuxième partie s’annonca très différente. Différente d’abord, puisque la lascivité et la langueur orientales du début laissèrent place à un rythme énergique et tempétueux. Mais différente surtout, par la révélation d’un percussionniste hors du commun. Madjid Khaladj, délaissa son rôle de personnage secondaire pour jouer au côté de son alter ego, le rôle de tous les autres personnages. Si le savoir-faire de Kayan Kalhor continuait de nous hypnotiser , Madjid Khaladj nous réveilla soudainement de notre contemplation passive. Dans un rythme devenu frénétique, les battements des percussions se mirent à résonner dans une salle au public médusé d’admiration. Ce fut alors la découverte d’un répertoire aux mille et une sonorités.  Les doigts du virtuose se mirent à courir avec force et rapidité , faisant retentir les notes au dessus de nos têtes. Au roulement délirant du tambour répondait la vibration exaltée des cordes, passant indifféremment du grave à l’aigu. Alternant sans difficulté les rythmes aussi bien lascifs qu’endiablés, les deux hommes plongèrent l’audience dans l’Iran d’antan, celui des nomades et des traditions perdues.

Et puis, comme si notre envoûtement n’avait pas déjà été à son comble et comme si l’on croyait avoir fait le tour des notes, Madjid Khaladj  mit de côté le Tombak pour nous initier aux sons surprenants du Daf (tambour mystique sur cadre).

 Minute après minute, l’enchanteur nous fit voyager aux rythmes et aux sons définitivement mystiques du Daf, rappelant étrangement le bruit du vent balayant le sable du désert. Tour a tour, il enroula et glissa ses notes dans les cordes perçantes du Kamancheh pour nous transporter dans un Iran au folklore révolu.

 Et puis, la frénésie des rythmes s’estompa pour laisser place au calme poétique des débuts. Le son étouffé du Daf s’évapora dans l’air pour permettre à la plainte mélancolique du Kamancheh de reprendre le dessus. Si Madjid Kaladj semblait dans un premier temps écouter paisiblement son complice, il nous surprit une fois de plus, en portant à ses doigts un nouvel instrument: des Zang-é Saringoshti (cymbalettes à doigts).

 

Le tintement si délicat des cymbalettes associé à la douce mélodie des cordes orientales replongea le public dans la sérénité des débuts mais à la seule différence qu’elle annoncait la fin imminente du récit. Et puis, l’état de grâce fut atteint, lorsque sortie de nulle part, la voix de Kayhan Kalhor se mit à accompagner les instruments. La voix empreinte de gravité nous transporta dans un univers teinté d’une nostalgie si caractéristique de la musique iranienne. Le concert s’acheva sous les ovations d’un public debout et conquis.

Tout au long du concert, les deux musiciens ou plutôt les deux magiciens, ne cessèrent de nous surprendre. Dialoguant  l’un avec l’autre dans un respect absolu et avec une maîtrise à couper le souffle, Kayhan Kalhor et Madjid Kaladj nous proposèrent une gamme inimaginable de sons étrangers à nos oreilles occidentales.

L’espace Senghor offrit ainsi aux bruxellois un évènement inédit en programmant les Maîtres incontestés de la musique traditionnelle persane, dont le talent et le savoir-faire nous ont envôutés le temps d’une soirée, tout simplement magique.

 

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